Thunderbolt (2025) – Los Nuevos "Avengers"... ¿o solo una copia gris?

Con Thunderbolt, Marvel intenta dar el relevo generacional a su universo cinematográfico, posicionando a este grupo como una especie de "Avengers rotos" o una versión más sucia y cínica del clásico equipo. Pero, aunque la intención es clara, la ejecución todavía no alcanza el peso simbólico o emocional del equipo original.

🔧 Lo que funciona:

1. Una idea fresca en papel:

La propuesta de un equipo formado por personajes con pasados turbios (ex asesinos, agentes manipulados, soldados caídos en desgracia) es interesante. Rompe con la imagen del “héroe perfecto” y abre espacio para conflictos más humanos y ambiguos.

2. Buenas actuaciones individuales:

Yelena Belova (Florence Pugh) y Bucky Barnes (Sebastian Stan) cargan con carisma y profundidad emocional. Son personajes que ya tienen historia y logran generar empatía, incluso sin grandes diálogos. Red Guardian y US Agent aportan tonos distintos, entre sátira y conflicto moral.

3. Un tono más maduro:

La estética es más sobria, el humor es más contenido y hay una clara intención de mostrar que este no es un equipo de propaganda heroica. Eso es refrescante en el contexto Marvel.

🪫 Lo que necesita mejorar:

1. Falta de cohesión de equipo:

Aunque la película los junta, no se siente que funcionen como un grupo. Les falta química real, propósito común fuerte y un villano que los obligue a cooperar de forma significativa. La "unión forzada" es evidente, pero no se explora lo suficiente para que tenga peso dramático.

2. El villano es olvidable:

Una vez más, el MCU peca de un antagonista genérico, sin motivación clara ni conexión emocional con los protagonistas. Cuando el enemigo no es memorable, el conflicto pierde fuerza.

3. Ritmo irregular:

La película arranca con fuerza, pero luego se dispersa en subtramas que no terminan de cerrar. Se siente como una temporada condensada de serie, más que una película con arco completo.

 4. Heredan el nombre, pero no el peso:

Compararlos con los Avengers es apresurado. Los Thunderbolt todavía no tienen el simbolismo, la unidad ni el impacto cultural de los Vengadores originales. Son más bien un "ensayo en curso".

 ✅ Conclusión:

Thunderbolt es un experimento necesario: Marvel no puede seguir reciclando a los mismos héroes de siempre. Sin embargo, si quieren que este nuevo equipo funcione como los "nuevos Avengers", necesitan desarrollar relaciones internas más fuertes, construir amenazas memorables y evitar que la película parezca solo un puente hacia algo más.

No es un mal comienzo, pero aún es una sombra de lo que podría llegar a ser.

Karate Kid: Leyendas (2025)

Resumen general:

Karate Kid: Leyendas (2025) intenta ser el puente entre el legado de Miyagi y una nueva generación. Visualmente ambiciosa, narrativamente irregular, emocionalmente predecible. Tiene corazón, pero necesita más alma.

 Lo que funciona (y se agradece):

Estética cuidada: Las locaciones internacionales, vestuarios y fotografía reflejan una producción con buena inversión y respeto por la cultura del karate. Japón, Tailandia y EE.UU. tienen presencia significativa.

Regresos potentes: El regreso de personajes como Chozen o incluso menciones sutiles a Daniel y Miyagi son anclas emocionales que dan contexto sin robar protagonismo.

Mensaje claro: La película intenta transmitir disciplina, respeto y equilibrio, algo que sigue vigente incluso en 2025.

Lo que cojea (y cómo mejorar): Protagonista carismático... pero sin conflicto real: El nuevo “elegido” tiene carisma, sí, pero parece tener un camino demasiado fácil. El viaje del héroe requiere caída, y aquí casi no tropieza.

Villanos de cartón:

El antagonista principal parece una mezcla entre bully genérico y gurú oscuro, pero no llega a intimidar ni inspirar. Le falta motivación real o al menos una ideología peligrosa que rete al héroe más allá del combate físico.

Diálogos cliché:

Muchos momentos dramáticos se sienten como si estuvieran escritos por una IA con frases de libros de autoayuda. Falta autenticidad emocional. Menos frases como “la verdadera batalla está en ti” y más momentos reales.

Desconexión con la acción:

El karate a veces parece decorativo, no parte del alma del conflicto. Cuando el arte marcial se convierte en accesorio y no en símbolo de transformación personal, se pierde el centro.

 Sugerencias para próximas entregas: Profundizar en la filosofía del karate, no solo en las patadas.

 Introducir una amenaza con peso moral, no solo física.

 Explorar el trauma generacional: ¿qué significa ser un sensei en la era de TikTok y ansiedad global?

 Aprovechar el potencial de un mundo globalizado para mostrar estilos distintos de lucha y ética.

 Veredicto final:

Karate Kid: Leyendas (2025) es como un kata bien ejecutado pero sin espíritu. Tiene forma, técnica y respeto... pero le falta rugido. No es un fracaso, pero tampoco una leyenda todavía.

7/10

Lightyear: lo que no se dice.

Terminé de ver Lightyear y, por si alguien esperaba otra cosa: no voy a hablar de la polémica que rondó la película antes de su estreno. Francamente, da hueva. Aquí venimos a mirar más allá de la espuma superficial, a buscar el mensaje que flota debajo de la animación, entre los silencios del guion y los gestos del protagonista.

Porque Lightyear —aunque muchos no lo notaron— deja una reflexión poderosa: perder es necesario para aprender a ganar.

Cuando uno ha estado en la cima y de pronto se desploma, no queda otra que crecer. Pero crecer de verdad. De ese tipo de crecimiento que no se mide con medallas ni aplausos, sino con cicatrices, humildad y nuevas perspectivas. Buzz, el eterno héroe espacial, choca aquí con la dura realidad del fracaso, del tiempo que no espera, de las decisiones que pesan.

En ese proceso, Lightyear nos recuerda algo esencial: solo cuando te acercas al dolor de los demás, a sus luchas cotidianas, a su esfuerzo invisible, es cuando empiezas a ver el alma humana en su forma más pura. Ese compañero que sonríe aunque esté roto por dentro, esa amiga que sigue adelante aunque todo pese. Ahí está la verdadera fuerza.

Nos enseñaron desde chicos que perder es sinónimo de debilidad. Que hay que competir, destacar, ganar o callar. Pero la vida no funciona así. La verdadera enseñanza no está en llegar primero, sino en aprender mientras caes, y en levantarte sabiendo que esa caída te enseñó algo que el éxito nunca podría darte.

Otra reflexión importante que nos lanza la película: el tiempo. Buzz viaja cuatro minutos... que se convierten en cuatro años. Y así, atrapado en su obsesión por cumplir una misión, deja pasar la vida. Amigos que envejecen. Momentos que no vuelven. El presente se esfuma mientras él persigue una meta que, cuando por fin comprende, ya ha cobrado demasiado.

Y es que el tiempo es así: implacable. Nos devora sin ruido. Nos quita oportunidades mientras nosotros miramos al futuro como si fuera un destino fijo, sin entender que la única certeza real es el presente.

Vivir sin ansiedad por el futuro y sin cargar el pasado. Vivir aquí. Ahora. Porque cuando uno aprende a soltar el control, el universo se abre. Se vuelve más liviano. Más humano. Más infinito.

En el fondo, Lightyear no es una película sobre el espacio. Es una película sobre lo que hay dentro de cada uno de nosotros: los miedos, los errores, las segundas oportunidades. Y la verdad más valiosa de todas: los héroes no son los que nunca caen, sino los que siguen adelante aunque ya no sean los mismos.

¿Cómo saber quién usa mi cuenta Netflix?

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Doctor Strange en el Multiverso de la Locura - (Doctor Strange in the Multiverse of Madness)

 Dr. Strange y la versión moderna de la "Leyenda de la Llorona".

Crítica:

Doctor Strange en el Multiverso de la Confusión

Disney ya no está apostando por el asombro o la magia heroica que alguna vez nos voló la cabeza. En lugar de eso, está sembrando contenido para amarrarte a su negocio más rentable: Disney+. La vieja fórmula de contar historias con identidad propia se quedó en el pasado; hoy todo gira en torno a mantenerte suscrito a su plataforma, y Doctor Strange en el Multiverso de la Locura es la prueba de eso.

Para entender esta película —y no perderte en el caos— tienes que haber visto:

 Doctor Strange (2016)

 WandaVision (2021)

 What If...? (2021)

 Algo de los X-Men

 Spider-Man: No Way Home

 Y, de pilón, leer cómics oscuros que ni el lector casual entiende.

Todo esto, para que al final te premien con un argumento tasajeado, una villana caprichosa y un protagonista que parece más un espectador de su propia película que el hechicero supremo.

 ¿Multiverso? ¿Locura? ¿Dónde?

Lo que aquí se nos vende como un “multiverso de la locura” es en realidad un desfile de cameos para que digas “¡ah mira, ése!” y te emociones cinco segundos antes de que lo destruyan sin pena ni gloria. Es como si Marvel te hiciera un Rick and Morty, pero sin la inteligencia ni la irreverencia.

El guion se sostiene gracias a un recurso milagroso: los poderes del guionista. Una niña que no sabe usar su poder, una bruja dolida que un día quiere destruirlo todo y al siguiente se redime porque sí, y un Doctor Strange convertido en pasador de balón para que otros anoten. Todo esto mientras viajamos por dimensiones que duran segundos, llenas de efectos para epilépticos y escenas sin lógica narrativa.

 

Y sí, la película parece dirigida más por el ego de Sam Raimi que por una idea clara de qué quería Marvel contar. Zombies, planos retorcidos, guiños a su pasado, y mucho “yo hago lo que quiero porque soy Sam Raimi”. Genial para su portafolio, no tanto para los que esperábamos una evolución real del personaje.

Villanos sin garra, cameos sin alma

¿Dónde está Shuma Gorath, el ser interdimensional con peso mitológico? Pues Disney decidió que eso era mucho riesgo... así que nos dio a Gargantos, una criatura torpe y olvidable. No representa una amenaza real y es derrotado con más facilidad que un Minion deshidratado.

Los Illuminati aparecen solo para que aplaudas como foca, los aniquilen y no vuelvas a saber de ellos. ¿Desarrollo? ¿Importancia? ¿Coherencia? Nada. Solo publicidad para lo que viene, porque Marvel ya no cuenta historias: muestra trailers disfrazados de películas.

 

Lo que pudo ser... y no fue

Esperábamos un Doctor Strange místico, profundo, al borde de convertirse en el verdadero Supremo, que se ganara su lugar salvando el día con sabiduría y poder. Lo que tuvimos fue una historia donde lo importante no es Strange, sino Wanda, el multiverso, el futuro de Disney+ y cómo todo se acomoda para lo que viene después.

El misticismo quedó en YouTube. El entretenimiento puro también. Lo que nos queda es una experiencia plástica, ruidosa y a ratos entretenida… si bajas tus expectativas y te dejas llevar por los efectos.

SÍNTESIS FINAL:

Contraten Disney+. Ya ni lo disimulan.

LO BUENO:

Efectos especiales.

Algunos personajes nuevos.

Simbología Marvel.

Cumple con entretener… a ratos.

LO MALO:

Confusa.

Guion sin continuidad.

Personajes nuevos que desaparecen sin desarrollo.

Cameos desperdiciados.

Poco multiverso y casi nada de locura.

Ignoran el guion original.

Ego del director inflado.

Escenas postcréditos innecesariamente largas.

CALIFICACIÓN: ★★☆☆☆ (2 estrellas)

Recomendación:

Ve a verla en una sala grande, bien atrás, en 3D con sonido envolvente. Lleva palomitas, refresco y cero expectativas. No lleves niños. En casa, ideal para verla en una noche larga sin pensar demasiado.

Emoji: La Película

No es Pixar, pero tampoco el apocalipsis

Existe un tipo de “crítica” que se enorgullece de ser provocadora, como si cada opinión viniera de un viejo gruñón encerrado en un sótano, aferrado a los tiempos donde todo era mejor “porque sí”. Y no, Emoji, la película no es una joya del cine. Pero tampoco merece ser apedreada como si hubiera intentado competir con Dunkerque, Pixar o Disney.

Sony Pictures Animation, al igual que DreamWorks, se ha caracterizado por experimentar. Se arriesgan con historias nuevas, algunas con éxito, otras no tanto, mientras otros estudios reciclan personajes y fórmulas hasta la cuarta parte. Al menos, aquí hay un intento de propuesta diferente, aunque venga en forma de emoticones. 

Ahora bien, ¿desde cuándo una película animada debe cumplir con una estructura impecable para ser válida? ¿No se supone que el público infantil tiene derecho a contenido ligero, visual y funcional sin tener que pasar por una tesis cinematográfica

Lo bueno:

Es un cuento moderno que conecta con la juventud actual y con la niñez inmersa en pantallas.

Quien sea “geek” podrá notar algunos guiños didácticos relacionados con programación y tecnología.

Si te gustan los emojis (sí, existen esas personas), puede que hasta le encuentres encanto.

El doblaje latino rescata algunos chistes y personalidades; incluso puede superar en carisma a la versión original. (Sí, esa voz reconocida con su toque político incluido).

Lo malo:

¿Por qué carajos todo tiene que llevar una canción pop genérica para “estar en onda”?

Nos salvamos de que sonara Maluma, pero el daño está hecho.

Emoji pudo haber apostado por una banda sonora original, o al menos un tono más creativo.

Usar las mismas cuatro canciones recicladas no aporta nada.

La Cura Siniestra - (A Cure for Wellness).

FICHA TÉCNICA: 

Dirección: Gore Verbinski 

Guión: Justin Haythe 

Fotografía: Bonjan Bazelli 

Música: Hans Zimmer 

Género: Thriller. Intriga. Psicológico. Fantasía. Suspenso. 

País: Eua. Alemania. 

Año: 2017 

Duración: 156 minutos (más comerciales del cine). 

PERSONAJES: 

 Lockhart (Danne DeHaan) - El joven ejecutivo. 

Hannah (Mia Goth) - La joven. 

Volmer (Jason Isaacs) - El director. 

(Adrian Schiller) - El subdirector. 

Pembroke (Harry Groener) - El empresario. 

Victoria Watkins (Celia Imrie) - Paciente. 

Y otros. 

CRÍTICA: 

Historia escrita por el mismo director Gore Verbinski quien también dirigió El Llanero Solitario (2013) y la trilogía Piratas del Caribe (2003/2007). En esta ocasión, Gore Verbinski nos muestra cada cuadro con una atmósfera de misterio. Usa el entorno; enfoques y ángulos en conjunto con los sonidos, y así expresa un impresionismo hasta por una simple gota de agua. Desde el inicio, nos compromete no dejar ningún fotograma para no perder continuidad y llevar una hipótesis de la trama. También, nos invita a viajar a las altas montañas Suizas y nos regala buenas postales para tener de escritorio en nuestra computadora. Todo en un complaciente y merecido spa de retina en la comodidad de nuestra butaca. 

No diré el contenido de la trama. Perdería sentido para cuando la veas. Pero tocaré algunos puntos importantes y con esto, espero no echarte a perder parte del contenido de esta película. 

Hay un poco de filosofía en esta película. Plantea esto de vivir en una Sociedad postmoderna, es decir, en un “no lugar”, en donde se deja que el capitalismo limite y reglamente el poder de la sociedad de disponer de este. Nuestra conducta. Así que nuestra conducta proclama una liberación de la humanidad mediante el alcance de la autonomía racional. ¿Consiente o soñadora? Una ambición importante, un control y desechar todo lo que permea al sistema. Y es claro que aquí lo plantea de manera subjetiva. Después de mucho tiempo en los negocios, se aprende a pulir el modelo que se quiera. ¿Y qué pasará si la mezclamos con una leyenda de pueblo? “Pueblo chico, infierno grande”. Muy parecida a las historias de vampiros  sus misterios, tragedia y maldición. 

Las actuaciones de Danne DeHaan nos transmite en todo momento, la presión de ambos lados y lo concentra en uno solo para terminar en una importante decisión. Por otro lado, Hanna nos cautivará con su inocencia y descubriremos más con este personaje. Odiaremos a Jason Issac sus actos y costumbres. Y así nos llevarán entre cortinas de misterio y poco a poco descubriremos el final que por decisión del destino precede. 

SÍNTESIS: 

No hay mal que dure cien años ni cuerpo que lo resista. Y en esta película habla mucho de esto. 

LO BUENO: 

Danne DeHaan (Lockhart) otro reto superado por mostrar una interpretación diferente y quitarse al personaje del Duende Verde (Spider Man) Y lo sigo esperando ver junto con Leonardo Dicaprio en alguna película. (Tienen un parecido peculiar). 

LO MALO: 

Muy larga. En algunos momentos las situaciones son predecibles. Muy limitado los escenarios del castillo Hohenzollern, carretera de pocos metros, pueblo de un bar y establo. 

Valoración: 3 Estrellas. 

(Buena para ver en un sábado por la noche, sin prisa, con un café echado en el sofá de tu sala con la oscuridad de la noche).

2016

Terminó la historia de esta película, donde pudimos ver una ficción en la que todos fuimos incrédulos presenciando como se convertía en realidad. Una realidad de drama, suspenso y terror. Fueron los ingredientes principales para elevar las secuencias por el mundo. Fuimos por momentos actores principales de retos en un cortometrajes social y compartido. La actuación principal y su decisión de algunos marcaron la diferencia en este mundo globalizado. Esperemos que la siguiente película no muestre ese lado oscuro y confuso como lo hizo 2016 con un final que no esperábamos de último momento. Nos deja un poco confundido y con esperanza. Todos viviremos en 4D la siguiente película 2017 esperando no recibir una secuela si no una autentica historia positiva que nos cambie la perspectiva.

Butaca

Butaca es un canal en Youtube donde puedes encontrar contenido de una amplia categoría del cine mexicano. Aquí encontrarás películas contemporáneas como también de la época de oro. Gracias a estas opciones, las alternativas para las nuevas generaciones son cada vez muy sencillas. No se ocupa perder tiempo en una sala de arte o en una filmoteca para ver este contenido nacional. Tampoco esperar en el cable o televisión abierta para ver alguna película que marcó parte de nuestra vida.

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Cine Asia Online

Comparto este sitio para todo aquel amante del cine asiático. Aquí encontrarás desde estrenos como una amplia opción para deleitar las pupilas. Para los que pertenecemos a este continente americano en ocasiones la única manera de poder ver contenidos de este tipo es mendigar en la red con páginas cada vez llenas de basura. Este sitio cumple su función, por lo cual espero que también sea parte de tus preferidos en este cine exclusivamente asiático.

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Archive.org

Películas que se determinan como "dominio público" en esta esta web las recopila y quedan almacenadas para distribuir de manera gratuita en streaming. Si eres amante del cine, archive.org será un sitio de elección para tener tú experiencia cinematrografíca. Tiene disponible la opción de descarga (en ocasiones en alta calidad). Cuenta también con otras opciones de archivo como: libros. audios, imágenes pero en esta ocasión nos centramos con lo fílmico.

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Snowden

Dirección: Oliver Stone 

Género: Suspenso, Biografía. 

País: Eua, Alemanía, Francia. 

Año: 2016 

Si no fuera por la dirección de Oliver Stone "Snowden" no hubiera tenido ese bum cinematográfico por la crítica. Se une hoy al puñado de filmes americanos hechos gloria y santa devoción para aquellos Stone de hueso colorado. 

Esta película enfatiza situaciones muy predictivas para un mundo tecnológico como el que vivimos. Vamos, nos la hizo de jamón. Lo llevó al drama del nervio hasta por levantar una hoja. En dos horas de conspiración con monitores, superprocesadores, sistemas informáticos, Michael Mann nos llevó por los mismos guiones como en “Blackhat”. La fotografía de Anthony Dod Mantle en “Snowden” hace que la película luzca potente visualmente, todas las escenas de Snowden con su superior Corbin O'Brian como en los ángulos donde pone el énfasis para proyectar en nuestra mente son visualmente buenas. 

Disfrutables las actuaciones de Melissa Leo, Zachary Quinto, Rhys Ifans, Tom Wilkinson, Timothy Olyphant, Shailene Woodley y de un Joseph Gordon-Levitt como Edward Snowden. (Conocer al Snowden en su personalidad como para valorar el trabajo de Joseph Gordon, será aventurarnos en puras mentiras). 

Una sorpresa en esta película, es que aquí sale Nicolas Cage, y con muy poca actuación desaprovechando el dueto Joseph Gordon / Nicolas Cage para llevar con más trama la historia (lo importante es Snowden). Resulta evidente que Stone quería a Cage en la película porque le vio en “Dying of the light” y le encantó su actuación, pero podría haberle sacado más provecho. -__- 

La película nos promueve el sentido ético Snowden por revelar la verdad o la mentira que se vive en Estados Unidos. Contrario que en “The fifth estate”, dónde crucificaban al mensajero por denunciar los abusos de los poderes gubernamentales y multinacionalistas, en “Snowden” Oliver Stone defiende al denunciante y pone al descubierto al criminal. 

Una cosa muy penosa en este filme, es el abuso de la música para llevar emociones y situaciones que quizá fueran más creíbles sin tanta melodía de fondo. En momentos me recordó “Independence Day”. Muy empalagoso. 

Por otro lado, la actuación de Shailene Woodley no fue tan entregada en su papel. Por un momento sentí querer ver que se llevara a Snowden y saltaran por alguna pared huyendo del gobierno opresor. La actuación de Zachary Quinto como reportero también fue muy ligera y no tiene gran asombro tratar de llevar una situación pensando que algo va pasar. Por un momento también pensé que traicionaría a Snowden, como acostumbra en otras películas. 

En fin, Snowden bajo la batuta Stone, nos lleva a una crítica constructiva por revelar la inseguridad informática que hoy abunda en la web con nuestros datos. Es lo mismo que dicen todos y el impacto que Stone maneja, es para las masas. 

Lo bueno: Las actuaciones de Rhys Ifans y Joseph Gordon. 

Lo malo: Que sea una historia real. :(

Trailer:

Animales Nocturnos - (Nocturnal Animals)

Dirección: Tom Ford 

Género: Drama, Suspenso, Adaptación Novela. 

País: Eua. 

Año:2016 

El juego de palabras y las interpretaciones en este filme, después de presenciarla en el cine, lo dejan a uno pensando por todo el camino rumbo a su casa. Conceptos emocionales como: desamor, propósito, tragedia, injusticia, venganza, decepción, rencor, se percibe dejando al espectador el final de la historia.

Una adaptación de la novela: Tony and Susan de Austin Wright  (1993).

Animales Nocturnos, nos propone la visión de un escritor y su tragedia. Ficción sobre ficción. El personaje de Susan (Ammy Adams) nos lleva con su lectura, lapsos de impresiones y nos da énfasis para entender los puntos por lo que decidió no estar con Tony - Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal). La interpretación de su personaje por momentos es sorpresivo, y no dejo de ver los mismos gestos que vi en Arrival (la llegada). No hay mucho trabajo con su actuación, se mantiene en la misma posición sugestiva. No me atrapó de nuevo con su estilo. 

Con el personaje del escritor tengo un punto muy claro con Jake Gyllenhaal. Su estilo polvorín que últimamente lleva en sus películas no me quitó de la mente ese hombre pedante y explosivo. Como lo muestra en Nightcrawler (Primicia Mortal), Prisoners (La sospecha), Southpaw (Revancha), Enemy (El Hombre duplicado). Considero que de Enemy, el personaje salió a interpretar el papel del novio-escritor de este nuevo filme. 

Si presentará esta historia en una obra de teatro con estos actores, estaría muy lineal y por momentos cansaría a las personas. La historia es una acto cruel de salvajismo. Como también el salvaje director de estirar las historia hasta que las emociones del personaje del escritor, cumpla el significado de la película. 

Con Bobby Andes (Michael Shannon) y su personaje, lo lleva como cualquier otro oficial de la actualidad. Supo esconder expresiones y dar de golpe el significado de su papel. 

Un punto por aplaudir de esta película, es el flashback que por momentos nos muestra a estos dos personajes Susan y Tedy con un aspecto juvenil. Un logro que da realismo y credibilidad a esta historia.  

El drama de Animales Nocturnos, nos muestra una especulación por querer ordenar nuestras emociones. Reivindicar el pasado y cerrar ciclos. 

Una vez más, Hollywood nos muestra la misma causa por lo que el cine actual no revive su autonomía. Mismos rostros, actuaciones por desigual y producciones de maquila. 

Si gustas por el cine crítico en compañía, este será un buen tema para conversar en la cena. 

Lo bueno: La música, sin este ingrediente sería una catástrofe. Mantiene el ritmo y sus secuencias. De inmediato nos transporta las emociones de los personajes. 

Lo malo: Ammy Adams y el director Tom Ford, por no hacernos creer en otra Ammy Adams.

Trailer:

Tren a Busan - (Train to Busan)

Dirección: Sang-Ho Yeon.

Género: Acción, Terror, Suspenso.

País: Corea del Sur.

Año: 2016

Una vez más el cine oriental nos muestra que una producción con actores reconocidos y una gran inversión, no es sinónimo para una excelente película. 

Occidente presencia quizá la catapulta fílmica de muchos proyectos que nos quitarán el mal acostumbrado cine Hollywoodense. Tren a Busan, lleva la bandera del cine independiente que surge a partir de crear nuevas historias en el cine. Nos quita ese empalagoso "Remake" y de muchas continuaciones de hartazgo. 

El virus zombie, detonante para un apocalipsis mundial, lo lleva muy parecido a World War Z (2013) (Guerra mundial Z). Quitando los grandes escenarios y los efectos especiales dando un estilo The Walking Dead y zombies tipo Dawn of The Dead (2004) (El amanecer de los muertos). Aquí el contagió es rápidamente transmitido a todo ser vivo. No se enfocó en los detalles de las especies infectadas y se encapsuló en una área preferente en un tren, la estación, alguna parte urbana y panorámicas de ciudad. Los efectos especiales entran en lo normal para esta propuesta de cine independiente. Lo resolvieron generando secuencias más cuidadas dedicadas en la actuación y en cada personaje que por momento se volvieron parte de nosotros. Los que vivimos en occidente, en general no conocemos quien son estos actores y sus anteriores trabajos. Y creo que eso no importó mucho para entender lo que transmitió está película. 

Nos presenta un padre dedicado a los negocios, su empresa y olvidado de sus allegados. Faceta que la modernidad laboral nos encarcela con trabajo y nos quita la verdadera vida en familia. Una hija con la inocencia y su fiel valentía al respeto de un padre. La vida de muchos y el cariño de la fuerza de la esperanza. Considero quienes realmente fueron esos zombies, es la sociedad que vive en este limbo encerrado en el egoísmo. Y aquí, es peor que el virus. 

Tren a Busan, transmite y lleva secuencia del cine que Hollywood en un momento nos vendió. Compitió en cartelera con Rogue One y levanta las cejas de muchos Directores.

Lo bueno: La historia. 

Lo malo: La sociedad.

Trailer

Gladiator OST

Gladiator Soundtrack

Musica de Hans Zimmer y Lisa Gerrad

Duración: 1:01:38

Transformers: El último caballero

De nuevo Michael Bay trae Transformers y como es costumbre los presentará a mitad de película, después de contar la historia, de otra historia de la pasada historia. De nuevo nos encontramos con los integrantes de estás ultimas entregas sin el odioso Sam Witwicky y a simple vista nos muestra un Optimus Prime creando un apocalipsis en conjunto con los que parece Cybertron. Enfatiza con una niña, posible hija de  Cade Yeager (Mark Wahlberg) y en compañía de su juguete Bumble Bee quizá nos llevarán de la mano con esta historia.

Rogue One

Una película que nos provoca emociones a la nostalgia. Nos hace revivir aquellos momentos gloriosos de Star Wars y nos transporta a sus inicios. Por desgracia el intro que nos tiene acostumbrado como en cada entrega, en esta ocasión no se presentó por ningún lado. Pero gracias a los Fans de hueso colorado, crearon el inicio que pudo cambiar un poco la intención de la saga.


Considero que nos deja un poco desorientados por esta opción. Quienes vivimos en esta ficción, es un icono esencial escuchar la presentación sin importar que sea un juego de 1980 o una película de antología. 

Aquí inician los detalles, por lo que califico a esta película un poco floja para un publico que no tiene importancia con el tema Star Wars. Para los Jedi o Stih es la joya de la reina, de eso no hay duda.  (¿Se nota la intención del director?, ¿Disney?) Demasiada política diría yo. No encontré en algunos momentos la fuerza que caracteriza a estas películas. Se mostró un poco fuera de curso por tratar de contar aprisa una historia. Se nota la presión de llevar el control por los personajes y resultan muy predictivos.

Y de nuevo veo la desgracia como lo presentó episodio VII, el efecto de sonido. El sonido que George Lucas nos acostumbró en sus primeras entregas, hacen más completas la experiencia de estas saga. Una fuerza que por lo que entiendo perdió los derechos de usar  los efectos de sonido: "THX". 

Considero tres cosas esenciales de Star Wars: Sonido, Personajes, Escenarios. Es lo que The Old Republic se encuentra haciendo por revivir la esencia de Star Wars y no le pide nada estas películas. 

Aquí una prueba:

Rogue One se convierte en el eslabón perdido para armar el rompecabezas de aquellos preguntones: "¿por qué la estrella de la muerte tenía un mal diseño de fabrica?". Y terminar ese abrupto inicio con Star Wars episodio IV. En Rogue One le encuentro capricho y sin ninguna relevancia. Esta película llevó un inicio y un final. No descubrimos al nuevo John Williams en esta entrega. La música fue muy lineal y en algunos momentos muy empalagoso. Aquí fuimos transportados a 1977 con la historia emulada para un público de nueva generación. Eso se felicita. 

Las actuaciones fueron lo normal para esta historia. (Historia familiar) y la relevancia cómica se la lleva el robot K-2SO quitando ese ambiente estresante de cada situación donde se presentaba. No supimos por qué es amigo del capitán Cassian Andor (Diego Luna y su cara de Grinch). Por qué Jyn Erso estuvo encarcelada por la vida (Felicity Jones). Por qué de estos dos Quijote y Sancho: Chirrut Imve (Donnie Yen) El monje samurái del único que nos mostró la fuerza y su compinche Baze Mabus (Jiang Wen), armado hasta los dientes y re-indicando su creencia por la fuerza. Tampoco supimos por qué el constante nerviosismo del desertor, Bodhi Rook (Riz Ahmed), un ex piloto del imperio. Vimos de nuevo a Saw Gerrera (Forest Whitaker) veterano de Guerra de los Clones y tampoco supimos por qué terminó hablando así. Y otros seres extraños que andaban por ahí robando cámara. Del único personaje que se habla muy poco fue de Jyn y su padre Glen Erso (Mads Mikelsen) el ingeniero que diseñó la Estrella de la Muerte. (Ahora sabemos por qué Luke estúpidamente la pudo destruir). Nos mostró un villano director del imperio Orson Krennic ( Ben Mendelsohnn) que fue bulleado por Darth Vader, Wilhuff Tarkin (Peter Cushing) y la fuerza Troopers. De antología ver a estos dos viejos personajes que le dieron credibilidad a esta entrega. Darth Vader (voz James Eral) fue letal al final y nos mostró la furia del lado oscuro con los soldados que protegieron la única vía que salvó la galaxia. 

Rogue One, no sobresale de este imperio Star Wars y llegó para cumplir el capricho de muchos seguidores que necesitaban la pieza para completar la historia. Gareth Edwards creó lo mismo que en Godzilla, escenas abruptas que nos presentaban lo bueno y lo cerraba de tajo para cumplir con la trama. No fue el golpe de inicio que nos tiene acostumbrado Star Wars. Tal vez con esto se la jugó y se enfocó en la trama que en el exterior de la saga. Fue algo creado en una esfera que nos mostró el mundo Star Wars y completar la saga con esta antología como los episodios perdidos. 

Lo bueno: el robot K-2SO sin importar quien sea nos llevó la gracia y tristeza y que no olvidaré. 

Lo malo: Gareth Edwards, quien no entendió como contar la historia y la hizo con los dientes. (Seguro que en la versión extendida tratará de darnos una mejor película).

Pasajeros - (Passenger)

FICHA TÉCNICA: 

Dirección: Morten Tyldum 

Guión: Jon Spaihts 

Fotografía: Rodrigo Prieto 

Música: Thomas Newman 

Género: Ciencia Ficción, Romance, Drama, Aventura Espacial. 

País: Eua. 

Año: 2016 

Duración: 116 

PERSONAJES: 

Aurora Lane......(Jennifer Lawrence)......La escritora.

Jim Preston.......(Chris Pratt).................El mecánico.

Arthur.................(Michael Sheen)............El cantinero.

Gus Mancuso....(Laurence Fishburne)....El capitán.

Captian Norris...(Andy García)..............El otro capitán.

Celeste..............(Aurora Perrineau)........?

CRÍTICA

No, Passengers no es la maravilla que Morten Tyldum nos entregó en El Código Enigma (2014). Aquella fue una obra sobria, inteligente y emocionalmente intensa. En cambio, aquí nos deja sentados durante 116 minutos viendo a dos guapos lidiar con dilemas éticos sobre la vida, la muerte y el futuro... dilemas que se resuelven con la misma profundidad que una frase de galleta de la suerte. Y con menos impacto.

Por un momento, parece que estamos viendo una versión live action de Wall-E, pero sin ternura, sin crítica ambiental y con más parecido al futuro del IMSS en México: lento, sin respuesta, y con servicios automáticos que fallan justo cuando más los necesitas.

Chris Pratt, alias Star-Lord en el multiverso Marvel, aquí repite su fórmula: carisma, sonrisas y el encanto de "chico con suerte". Básicamente hace de Repara-Félix Jr. en versión espacial. Mientras tanto, Jennifer Lawrence parece estar todavía en piloto automático. Su personaje es escritora, pero uno nunca siente esa chispa creativa, reflexiva o analítica que un escritor —aunque sea de horóscopos— debería transmitir. Escribe cuando quiere, como quiere y sin conflicto alguno, como si el arte también viniera en piloto automático.

Y sí, lo más sobresaliente de ambos fue su físico. Literalmente. Si esta película no te convenció por su trama, probablemente lo hizo por el trasero de Jennifer Lawrence y los pectorales de Chris Pratt. Hollywood, siempre entregando prioridades.

Pero, justicia sea dicha, la estrella verdadera aquí fue la nave. Una bestia tecnológica capaz de resistir lluvias de meteoritos, estabilizar daños en tiempo real y mantener a miles de pasajeros en animación suspendida sin mostrar pánico, error o revolución. Ni la Enterprise ni el Halcón Milenario la arman así. Y ojo: según mi teoría conspiranoica, la nave no falló... despertó al mecánico por elección. Porque si hay algo que Hollywood ama más que las casualidades, son las decisiones disfrazadas de fallas.

Dejando de lado el sarcasmo: la propuesta futurista no está mal. De hecho, tiene una visión interesante de lo que podría ser un futuro más cercano al diseño de viviendas sustentables que a la colonización planetaria. Aquí no hay caos robótico ni rebelión de androides: hay orden, funcionalidad, armonía tecnológica. Un futuro limpio, estéril y emocionalmente plano... como la película misma.

Los androides, especialmente Arthur el barman (Michael Sheen), se roban las escenas cada vez que aparecen. Con más carisma que los protagonistas y más lógica que el guion entero. Sin hegemonías, sin sublevaciones. Solo un robot sirviendo tragos y dando consejos existenciales como si fuera el terapeuta que nunca tuviste.

Resumen para los indecisos:

Hay dos tipos de personas que ven esta película:

Los que quieren ver a Lawrence y Pratt en su esplendor visual.

Y los que intentan encontrar ciencia ficción decente en el vacío del espacio.

Lo bueno: Arthur, el androide de la barra.

Lo malo: Jennifer Lawrence, Chris Pratt y, sorprendentemente, Morten Tyldum.

(No hablo del otro reparto)

TRAILER:

PELÍCULAS PARA RECIBIR EL 2015

Comenzamos con:

PREDESTINATION

 

Eso de viajar al pasado y combinar el presente para después terminar en futuro y todavía encontrarse con lo que no te voy a contar, (por que perdería la gracia) son cosas que ni de chiste quisiera hacer.

Son de esas películas que te dejará preguntando: ¿cómo carajos pudo ser eso?. Si quieres tener una buena tarde en compañía de una buena critica con gente que le guste el cine, y no quieras ver tramas gringas tontas y sin sentido, esta es una buena opción.

Web: PredestinationMovie

AUTOMATA

¿Llegaremos al punto en un futuro en depender tanto de las maquinas en nuestra vida diaria como en la emocional? 

Son cosas que en esta película nos muestra una ventana a ese futuro que tal vez un día, se vuelva tan normal como esta vida que llevas. Antonio Banderas en su regreso de su letargo, nos muestra otro sentido humano que nos dejó Will Smith en su "Yo Robot".

Web: automata-movie

I ORIGINS

Curiosamente hace poco una amiga tuvo su niña y al presentármela, mi única reacción ante ella fue preguntarle: ¿De donde vienes?. Fue algo de lo más extraño que sin siquiera pensarlo, le cuestione eso a esa niña que acaba de nacer algunos días. En esta película sucede algo parecido, nos muestra ese enigma que hoy en día muchos científicos, no encuentran el porqué algunos niños tienen el mismo  iris de ojo a otros que estuvieron en vida en esta tierra, sabiendo que es imposible tener el mismo código ocular según se cuenta. 

Cuenta a demás con un buen Soundtrack para después escucharlo en nuestra emotiva vida diaria.

Buena para ver en pareja, y no vea con cara de extraño a niños recién nacidos por favor.

Web: ioriginsmovie

SOPA DE GATO (CAT SOP)

Y con esta animación entramos a ese mundo extraño donde encontraremos que las decisiones que tomemos en la vida, serán las que en un futuro nos muestren esa alternativa de lo que queremos llegar hacer, creer y seguir viviendo en esta la realidad o cual sea. No es la típica historia de anime que todos cuentan y veas en televisión, son de esas películas  que encuentras para coleccionar en tu repertorio personal. Y NO ES PARA NIÑOS. 

La animación me parece perfecta con algunas escenas  a la altura de los estudios Ghibli. El colorido, el movimiento, los efectos digitales y de luz, etc.

Es un anime para adultos. Más que nada por algunas escenas "gore" muy suaves que son más cómicas que otra cosa, pero tiene también algunos puntos algo retorcidos.

Tan sencillo como complejo, tan entretenido como incoherente. Muy recomendable al menos para los que gusten de la animación.

BIG EYES

Tim Burton vuelve a la carga con esta película y nos muestra como el arte también tiene su drama. Y en esta historia una pareja que ves ahí en la imagen, pues resulta que salen peleados como buen matrimonio cristiano, y todo por decir: "Yo soy el que pintó los cuadros". 

Es tan real, como la vida que llevan los originales. Y esos cuadros tienen ese toque místico que los hace interesante fuera de quien los crea. El soundtrack por Lana del Rey, expresa todo lo que el personaje principal trata de decir en su interior de sus emociones.
Buena para ver una tarde de esas, que no sabes que hacer.

Web: Bigeyesfilm

Y con estas opciones aquí en Primer Butaca cierro el 2014 para recibir con gusto el 2015. Espero que te gusten estas opciones de cine para que colecciones más en ese catalogo de tú mente. Felicidad, dicha y un buen año nos espera, y juntos ampliaremos las emociones que también el cine nos suele dar.

¡Muchas gracias a todos y buen 2015!

¡HOLA CINÉFILO!

Bienvenido a nuestro primer blog, donde hablaremos más de lo mismo en esto del cine. 

Pretendo darte una crítica constructiva fuera de aquellos críticos compulsivos y amargados.
Compartir mi experiencia con el cine y lo que entienda de ello.  

Y desde la "primer butaca" incursionar por los rincones de las películas.

Cinéfilo:

Te doy la bienvenida a este lugar donde se hablará de cine y de cosas que tal vez otros no cuentan.

¡ Comenzamos!